Nem Todos São Arte

Especialista em histórias fantásticas e personagens bizarros (Blade 2, Hellboy), o diretor mexicano Guilhermo Del Toro novamente mistura realidade e fantasia, como fez em um de seus melhores trabalhos até então, “A Espinha do Diabo”, na construção de seu melhor filme até o momento. Em “A Espinha do Diabo”, o cineasta contava uma assustadora, mas tocante história de fantasmas em um pequeno e isolado orfanato no interior da Espanha, onde crianças perdiam suas inocências devido a forte opressão sofrida por parte dos religiosos que tomavam conta do local. Como pano de fundo, Del Toro situava sua história durante a sangrenta guerra civil espanhola. “O Labirinto do Fauno” se passa logo após o final da guerra civil, no ano de 1944, momento ainda conturbado em que o exército do ditador Franco caçava incansavelmente e dizimava toda, e qualquer tipo de resistência contrária ao novo governo.

Em “O Labirinto do Fauno”, vemos a difícil vida de mais uma criança, dessa vez acompanhamos a trajetória de Ofélia (interpretada pela excelente atriz, Ivana Baquero), que além de sofrer silenciosamente com a dor da recente morte do pai, tem que agüentar o novo marido da mãe, um sádico Capitão partidário do Generalíssimo Franco, que é obcecado pela morte de seu próprio pai, representado por um antigo relógio quebrado. O temível Capitão Vidal, apresenta seu crescente desequilíbrio em todos os seus gestos, sendo os principais a forma de tratamento que ele dispensa a seus comandados e a violência que direciona a seus inimigos. Além disso, Vidal não demonstra nenhum tipo de carinho com Ofélia e sua mãe, preocupando-se apenas com o filho que a esposa grávida está prestes a lhe dar.

Por isso Ofélia sofre em silêncio, apresentando sempre um forte semblante de tristeza e medo, que só muda quando ela está a sós com a doente mãe ou quando pode ler um de seus muitos livros de fantasia. Esse forte sofrimento apresentado pela garotinha dá lugar a esperança, quando Ofélia descobre um antigo labirinto em uma floresta próxima a sua casa e ao entrar nele, encontra uma estranha criatura. Esse ser, um fauno (Doug Jones), afirma estar esperando-a há diversos anos e que Ofélia não seria uma simples menina, mas sim a princesa do mundo subterrâneo, desaparecida há muitos e muitos anos. Para retornar a seu mundo natal, Ofélia terá que enfrentar três perigosas tarefas impostas pelo Fauno, tarefas que poderão colocar sua vida em um grande perigo.

O mundo apresentado pelo Fauno, repleto de fadas e criaturas estranhas, algumas verdadeiramente assustadoras, contrasta ao cruel e violento mundo de Ofélia. Forçando a garota a buscar constantemente fugas para sua terrível realidade, que conta com uma mãe doente e correndo risco de morte e um ensandecido padrasto, que apresenta mais características monstruosas do que qualquer outro ser conhecido pela criança. Então, ambos os mundos criados por Del Toro são sombrios e incertos, o que provavelmente representa o estado de espírito de Ofélia.

O novo trabalho de Guilhermo del Toro (com o irrisório orçamento de cinco milhões de dólares) foi perfeito em uma temática que nesse mesmo ano foi abordada (em um filme na minha opinião até subestimado pela crítica), pelo diretor M. Night Shyamalan. Diferentemente do injustiçado colega, o mexicano não teve grandes problemas nem sofreu fortes pressões por parte da mídia e de um público cada vez mais exigente com seus trabalhos, e foi muito feliz na forma de contar sua tocante e melancólica história, apresentando grandes momentos de inspiração, como nas homenagens a outros contos infantis clássicos (“João e Maria” e “Alice no país das maravilhas”, por exemplo) e principalmente nas fortes doses de realismo (Del Toro apresenta uma forte violência gráfica, aumentando o realismo do filme e mostrando que ele é mais que um conto de fadas, mas sim um estudo sobre a própria natureza humana) injetadas em sua obra e no comovente final, onde a grande questão apresentada durante todo o filme é enfim, esmiuçada.

O céu de Suely é o céu da cidade de Iguatu no interior cearense. Um céu limitado pela pobreza e dificuldades inerentes à grande maioria das pequenas cidades nordestinas e brasileiras. Pobreza e dificuldade que no imaginário popular só podem ser combatidas e vencidas através da realização do sonho da migração aos grandes centros urbanos do país, preferencialmente os situados nas regiões sudeste e sul.
Como milhões de outros brasileiros, a personagem principal do filme de Aïnouz, Hermila, acompanhada de seu parceiro, partem para São Paulo em busca da felicidade. Chegando lá, sofrem com a inesperada e bruta realidade que força o casal, já com um filho, à separação. Hermila tem então, que retornar a sua cidade natal para esperar seu marido, enquanto ele junta dinheiro para colocar um pequeno negócio na cidade. O tempo passa e o sonho do retorno do parceiro e da possibilidade de prosperar na cidade que nasceu se esvai com o abandono do mesmo, e Hermila, que sobrevive com muitas dificuldades vendendo pequenas rifas, decide então, tomar uma drástica medida que lhe dê a possibilidade de mais uma vez abandonar sua cidade e toda a pobreza, atraso (e calor) que ela representa, em busca de seu “santo graal” particular no lado mais desenvolvido do país. Além disso, Hermila tem que resolver situações pendentes em sua cidade natal, como aprender a criar seu filho, o qual ela sempre apresenta uma grande indiferença; fazer as pazes com sua avó, que não aceita as atitudes tomadas pela neta em troca de dinheiro; e resolver a situação com um antigo ex-namorado, que ainda apaixonado, pretende reiniciar uma séria relação com a confusa jovem e assim, prendê-la na cidade.
Karin Aïnouz mostra sua grande versatilidade como diretor ao entregar a seu público esse “Céu de Suely”. Responsável pelo polêmico “Madame Satã”, Aïnouz sai da cidade grande (no caso a capital carioca) e parte para o interior do seu Estado natal, para contar de forma magistral uma das muitas histórias protagonizadas por seu povo. Em Iguatu, o diretor encontra uma cidade diferenciada no Estado, que tem como grande característica uma forte mistura do provincianismo inerente à maioria das pequenas cidades interioranas, com um certo lado cosmopolita evidenciado principalmente pela influência dos inúmeros viajantes que cruzam diariamente a cidade.
A escolha do elenco, formado em sua maioria por atores nordestinos e relativamente desconhecidos do grande público, é, sem dúvida, um dos maiores méritos do filme. A atuação de todos é visceralmente realista e mostra com perfeição todos os sotaques e trejeitos dos habitantes da cidade onde a história se passa, criando um vinculo de realismo ainda maior, o fato dos personagens terem sido nomeados com os nomes verdadeiros de seus intérpretes também foi fundamental para fortalecer ainda mais esse vínculo. A própria Iguatu, pode ser considerada um personagem vivo do filme, já que ela está sempre presente na história, agindo como uma barreira para a felicidade de Hermila, ao mesmo tempo que serve como prisão para sua tia e seu namorado João. Ponto para a belíssima fotografia de Walter Carvalho (impossível não se emocionar com o sensacional plano final do filme).

“O Céu de Suely” é, então, a consolidação multipremiada do trabalho de um grande cineasta já em seu segundo trabalho. E mais, já que ele mostra que o interior do país também pode ser utilizado na criação de filmes urbanos e abre uma série de possibilidades para nossa belíssima atual cinematografia.

PS: Tive uma ligação sentimental muito forte com esse filme, já que morei a maior parte da minha vida em Iguatu e nesse tempo, conheci dezenas de “Hermilas”, homens e mulheres que abandonaram tudo que tinham partindo para os grandes centros urbanos do país, em busca do incerto sonho de encontrar um céu mais estrelado e repleto de possibilidades do que o de sua cidade.

A luta contra a morte e o medo que ela manifesta nas pessoas gerou em vários momentos da história da humanidade uma, digamos, quixotesca busca pela imortalidade, seja ela física ou espiritual. Das comunidades mais antigas (que em nenhum momento podem ser chamadas de primitivas) que surgiram em nosso pequeno planeta até hoje, o ser humano vem buscando respostas para profundas questões que na realidade ele ainda nem aprendeu a formular. Para isso, criaram-se centenas de religiões em todo o mundo e em outra frente, surgiram homens que tentam ferrenhamente encontrar na ciência explicações diferentes e mais coerentes que as dadas dentro dos milhares e milhares de templos mundo a fora. A nova OBRA PRIMA (isso mesmo, com letras garrafais) de Darren Aronofsky aborda brilhantemente essa temática. Aliás, essa é uma praia já freqüentada por Aronofsky que já havia trabalhado esse tema em seu primeiro e não menos brilhante filme, PI, onde a Matemática e a Cabala judaica eram os centros da trama.
Em “Fonte da Vida”, Aronofsky conta três histórias paralelas envolvendo o amor e devoção a uma mulher e principalmente uma causa, a de descobrir a forma definitiva de viver e fazê-la viver para sempre. O filme é dividido por três linhas narrativas distintas representadas por um conquistador espanhol no recém descoberto novo mundo a serviço de uma encantadora rainha, um médico em busca da cura de uma terrível doença que consome sua amada esposa nos dias atuais, e por fim, uma espécie de astronauta em busca do sentido da vida, do universo (e tudo mais). Essas narrativas se sucedem a todo instante ao longo do filme, se intercalando em alguns momentos o que mostra a forte ligação entre ambas. Todos os principais papéis são interpretados magistralmente por Hugh Jackman (em seu melhor filme) e Rachel Weisz (em mais um ótimo trabalho).
A linda trilha sonora composta por Clint Mansell acompanha perfeitamente o filme, tornando-se fundamental para o seu desenvolvimento. É como se a música, através de suas lindas melodias e juntamente com os atores, apresentasse toda a angústia, medo, sofrimento e esperança, mas principalmente o forte amor que envolve os personagens. A cenografia é belíssima, um capricho alcançado e posto em prática por Darren através de sua grande inteligência e do bom orçamento conseguido para o filme. A fotografia de Matthew Libatique é, sem dúvida, um show a parte, repleta de planos que lembram bastante as páginas de histórias em quadrinhos (graphic novels), com uma forte predominância da cor amarelo ouro representando a vida e a esperança, contrastando com a sombriedade da maioria dos monocromáticos cenários que representam os sentimentos dos personagens de Jackman. Aronofsky une perfeitamente todos esses elementos através de uma montagem que beira a perfeição, intercalando maravilhosamente uma narrativa a outra.
Enfim, Darren Aronofsky fez um filme, respeitadas as devidas proporções, que lembra substancialmente o que o Mestre Stanley Kubrick fez em seu clássico “2001, uma odisséia no espaço”. Um filme altamente existencialista, de uma profundidade dificilmente vista no cinema hoje em dia, repleto de passagens reflexivas e contemplativas, encerrado por um final absurdamente chocante e maravilhoso (apesar de “2001” ser em sua essência um filme cientificista, enquanto esse possui uma abordagem espiritualista), onde em nenhum momento aparece a intenção do diretor de entregar um final mastigado ao público, pelo contrário, o que temos aqui é mais uma excelente oportunidade de levar o conteúdo do filme para fora da sala de cinema e apreciar essa bombástica experiência cinematográfica muito mais longe da sala escura. A similaridade entre os dois também se encontra na dificuldade do entendimento da história, principalmente se o espectador perder a concentração (o que não é muito difícil) devido a magnífica enxurrada de imagens e informações. “Fonte da Vida” é, então, um dos melhores e mais inteligentes filmes dos últimos anos, que merece ser visto e revisto várias vezes e sempre aplaudido de pé.

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Depois de filmes como “Tudo Sobre minha mãe”, “Fale com ela” e “A má educação”, podemos ver o novo filme do espanhol Pedro Almodóvar como uma pisada no freio em relação às temáticas polêmicas abordadas em seus últimos trabalhos. Para seu mais novo projeto, Almodóvar reúne mais uma vez algumas de suas principais divas (Carmem Maura, Penélope Cruz) para contar a tocante história de uma família de mulheres , que dois anos após perder seus patriarcas em um trágico incêndio, recebe a inesperada visita do fantasma da mãe. A surpreendente chegada da matriarca, coincide com uma série de problemas pelos quais a filha mais velha, Raimunda (Cruz), vem passando com sua filha Paula (Yohana Cobo).
A figura masculina é completamente abandonada nesse filme. Os únicos homens que aparecem na história tem rápida passagem e quase não tem importância para a trama, mostrando que o interesse de Almodóvar é mesmo o seu gênero preferido, as mulheres. Portanto, apesar de Almodóvar ter se distanciado em “Volver” do estilo de seus últimos e melhores filmes, mostra ao seu fiel e apaixonado público que sua ternura e apreço pelo universo feminino continua perfeitamente intacto, criando um belíssimo filme, que com certeza deixará algumas lágrimas emocionadas e um grande sorriso na face do espectador.

Sei que é cedo para fazer essa afirmação, mas depois de ver mais esse filmaço realizado pelo excelente Paul Greengrass (vi na época da estréia, mas não consegui escrever e publicar logo a resenha aqui), não tenho medo de arriscar e dizer que “Vôo United 93” já é o filme mais genial sobre o mega atentado do grupo terrorista Al Qaeda aos Estados Unidos da América no dia 11 de Setembro de 2001. Diferentemente de Oliver Stone, Greengrass foca seu filme completamente no vôo 93 da United Airlines, vôo que tinha como alvo o famoso Capitólio, Congresso Nacional dos E.U.A. e que não atingiu seu alvo devido à tomada e derrubada do avião pelos próprios passageiros do vôo.
Outra grande diferença entre os filmes de Stone e Greengrass é que no do segundo, ambos os lados (terroristas e passageiros) são mostrados em pé de igualdade, sem exageros patrióticos para nenhum dos lados. Greengrass sempre coloca em evidência que se houve algum culpado de verdade, foi a incompetência de todos os órgãos responsáveis pela defesa aérea norte americana, que em nenhum momento mostrou-se preparada para defender o país dos atentados. É só ver a participação da aeronáutica que só disponibilizou caças aéreos com poder de derrubar esse avião, mais ou menos quatro horas após ele já ter caído.
Algo muito interessante a esse respeito, é a forma como os passageiros são mostrados pela mídia, que os apresenta como verdadeiros heróis americanos que deram suas vidas em holocausto para evitar mais um sucesso dos terroristas. Mas o que fica claro em “Vôo 93”, é que esses “heróis” na realidade, queriam apenas preservar suas próprias vidas, e como tinham informações exteriores através de telefones celulares tornando evidente a nefasta intenção dos planos terroristas, decidiram então, tomar medidas extremas em busca de suas salvações o que levou à queda da aeronave. Heróis são aqueles que tomam atitudes extremas com o intuito de ajudar terceiros e não desesperados que fazem qualquer coisa para poupar suas próprias vidas.
O realismo do filme é ainda mais latente devido ao sensacional estilo documental de filmar do diretor, que segue aqui a mesma linha do seu arrebatador “Domingo Sangrento”. Greengrass, além de ter feito todo o seu filme a partir de relatos dos participantes do evento e das ligações dos falecidos para familiares quando eles estavam dentro do avião, o diretor/roteirista aposta novamente em um desconhecido elenco (como também foi feito em “Domingo Sangrento”) para estrelar seu filme, e ainda inclui a participação de pessoas (como os controladores de vôo) que realmente estiveram presentes na desesperada tentativa de salvar os aviões, representando seus próprios papéis. Além de tudo isso, “Vôo 93” possui um dos melhores finais feitos nos últimos anos e mostra que não é com muito dinheiro, mas sim com ótimas idéias e profissionais competentes que se faz cinema de verdade.

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